Творчество — это загадка, которую человек задает сам себе. Заслуженный деятель культуры КР, художник-дизайнер, доцент архитектурного факультета КГУСТА Райкуль Ахматова ищет на нее ответ и по сей день. Искусство в ней живет с детства, и она с ним никогда не порывала. Рисовать начала рано и много, в школе, когда учитель давал задания на дом, одноклассники выстраивались в очередь и ждали, когда она им нарисует что-либо на заданную тему. С шестого же класса девочка целиком заполняла школьную стенгазету, рисовала для нее карикатуры. А еще много читала, дома родители — школьные педагоги — собрали замечательную библиотеку, в которой были даже факсимильные издания Л. Толстого. Райкуль мечтала стать теоретиком изобразительного искусства. Выслушав их резоны, Райкуль поступила на филфак КНУ.

Уже оканчивая университет, девушка вдруг вновь почувствовала неодолимое желание творить. Ее мечта была столь сильной, что тайком от родных она решилась поступить в художественное училище. Когда пошла туда писать заявление, в училище как раз открыли отделение художественного текстиля. Замдиректора Луиза Ивановна Каркавцева сильно агитировала поступать на него, и Райкуль решилась. Выдержала огромный конкурс, ее работы понравились приемной комиссии, с экзаменом по композиции тоже справилась. Поступила, но родители не знали про это, а надо уже было ехать на сельхозработы. Пришлось все сообщить им…

Студенткой Райкуль пробовала работать в разных материалах, освоила гобелен, батик, вышивала, но по-настоящему нашла себя в войлоке. Работа с ним может объединить многое, потому что сам материал многогранный, наполнен теплотой, энергетикой, декоративностью. Райкуль с особой благодарностью вспоминает народного художника КР Дж. Уметова, потому что раньше войлок в основном использовался как постилочный предмет интерьера, а Уметов поднял его на стены музеев и галерей и этим вдохновил многих художников. Первые композиции давались нелегко, она не знала всех свойств сырья, которое, как выяснилось, весьма капризное. А учесть нужно и время стрижки животных: осенью или весной, а также породу овцы, тонкорунную или грубошерстную.

Сложной оказалась и сама технология обработки войлока, который надо отбивать, обливать горячей водой, валять. Цветовая гамма рисунка зависит от красителя, синтетического, химического или натурального. Важен также и процесс подборки шерсти. К примеру, у кыргызских пород овец шерсть от красного до бледно-бежевого цвета, от темно-коричневого до серого с холодной синевой. Райкуль делала наброски, переносила их на картон и только потом тщательно перекладывала композицию на войлок. Со временем появились необходимые навыки и процесс создания панно стал гораздо проще. Рисовала небольшие эскизы и сразу начинала работать с натурой в цвете.

Творческая жизнь сколь интересна, столь же и трудна. Если мысль осеняет внезапно, то все идет легко. Многие работы создавались буквально экспромтом, но были и такие, что рождались в муках, трудиться над ними приходилось месяцами, а порой переделывать либо вообще отказываться от затеи. Творческий процесс мучительный и вместе с тем настолько увлекательный, что Райкуль забывала обо всем. Зарождалась идея, она начинала ее обдумывать, а затем с чистого листа, поэтапно, шаг за шагом осуществляла задуманное. В такие моменты ей было важно закрыться в мастерской, чтобы ничто не отвлекало. Она даже могла попросить близких не мешать. Те порой обижались, но в конце концов понимали, что художник — натура эгоистичная, самостоятельная, любящая одиночество.

Последнюю персональную выставку Ахматова посвятила композиции «Линии жизни». В ней ощутима связь времен. Став мудрее, автор передает в материале собственный философский взгляд на мир. В последние годы ушло из жизни немало дорогих ей людей, произошла смена поколений. И Райкуль не покидает ощущение утрат, невольно пришлось задуматься о смысле жизни, о судьбах тех, кто занимается искусством. Все выстраданное в душе она воплотила в войлоке. Эта выставка стала результатом не только личных усилий, но и поддержки всей семьи. Большую помощь оказали студенты КГУСТА, где Ахматова читает лекции по художественному проектированию, выполнению композиции в материале и малой пластике, передает ученикам свой опыт. Например, в пластической композиции «Время» ей хотелось показать красоту материала. В ней автором использованы шерсть, нити, натуральный шелк. И это творение студенты, а потом и зрители по достоинству оценили.

У Ахматовой, как современного художника-дизайнера, в ее отношении к вещи есть что-то бескомпромиссное и свободное. Ее руки за долгие годы работы безупречно ощущают материал, а ее образ жизни и эмоции точно формулируют линии, пятна, узоры и орнамент. Столь органичное существование художника и творения — это результат жизненного опыта, постоянного рукотворного усердия и самоотдачи. Время становления Ахматовой как художника пришлось на период, когда в прикладном искусстве КР происходили перемены. Переосмысливая каноны древнего искусства в формате современных профессиональных требований, Райкуль Ахматовой удалось, не утратив основ самобытного ремесла, наполнить его обратной интерпретацией. Ее ранние войлочные панно «Поющие», «Летопись гор» вдохновлены мотивами петроглифов. В работе «Мотив» наиболее последовательно отдана дань традиционной орнаментике с ее возможностями гибкой стилизации. Художник смело добавляет в свои панно, казалось бы, инородные элементы: холстину, кубинскую пеньку, но в итоге оказывается, что прием оправдан.

Главными же выразительными средствами Ахматовой были и остаются пятно и линия. Именно в гармоничном притяжении живописного и графического идет поиск и часто достигается удивительный результат. Уже в панно «Разногласие» цветные контуры условных фигур выплескивали контрасты темного и холодного и сполохами светлых лиц напоминали горящие свечи.

В работе «Горы-люди» красные разновеликие вертикали словно окаменели, стали декором-воспоминанием о фигурах-свечах. По словам Ахматовой, войлок словно постоянно напоминает о природе, о том, что он некогда укрывал, согревал, защищал и просто радовал глаз. Если художнику удается сохранить природную суть войлока, соединив ее со своей творческой волей, то рождаются не просто функциональные вещи, а произведения высокого художественного достоинства.

Панно «Сырт», пожалуй, самое яркое в ряде работ Ахматовой, выполненных в свободной живописной манере. Несколько пластов светлого войлока создают асимметричную абстрактную композицию. Сполохи окрашенной шерсти положены таким образом, что асимметричная подвижность уравновешивается скрытым ритмом более темных пластов. От сложной живописности автор идет к простоте линий, но простоте внешней, ибо линия может быть столь же пульсирующей и напряженной, что и цвет. Она отделяет свет от тьмы, стелется над горизонтом, пронизывает высоты. В другой работе «Лабиринты времени» доминируют линии, в ней туго свернутые, словно древние папирусы, полосы самодостаточны в своей ясности, декоративности, живут по воле автора собственной жизнью и готовы в любой момент развернуться и предстать перед зрителем своеобразной книгой Перемен. Столь же символично звучат и композиции «Бесконечный», «Нити Мойры», «Линия жизни». Мастеру удается постоянно удивлять зрителей, войлок в руках Ахматовой податлив, как глина, текуч, как воск, и упруг, как ластик.

Большое значение для творчества Райкуль Ахматовой имели поездки в Южную Корею и Японию. Благодаря впечатлениям от природы этих стран, от ритмов мегаполисов и соседствующих с ними традиционных нравов и обычаев художница во многом обогатила свой творческий опыт, свое представление о возможностях изображать. Большое внимание Ахматова стала уделять шелку. Этот древний материал органично соединяется с войлоком, подобно двум стихиям — воде и огню. В диптихе «Лотос в лунном сиянии» вертикали панно развернуты теплым лоном пруда, на нем стелются стройные стебли и бутоны. Темная цветовая гамма усиливает ощущение покойной глади и легкой зыби лунной дорожки. Ахматова часто говорит о том, что главным источником вдохновения для нее как художника является природа в ее зыбкости и вечности, в бесконечной череде образов и тем.

Все природные стихии, пар, войлок, животные, насекомые, шелк, растения слились в рукотворном чуде по воле художника. Безусловно, подобное мастерство Ахматовой не могло быть не востребовано учениками. У Райкуль их много, и среди них уже есть лауреаты международных художественных смотров. Своим богатым творческим опытом она делится не только в качестве преподавателя кафедры декоративно-прикладного искусства КГУСТА, но и на практике в мастерской. Ее творчество почти 40 лет радует зрителей Кыргызстана, многих стран ближнего и дальнего зарубежья. Художник является участником многих республиканских и международных выставок-конкурсов. Ее работы были представлены в выставочных залах Москвы, Санкт-Петербурга, Ашхабада, Риги, Алматы, Ташкента, Германии, Индии, Японии, Монголии, Южной Кореи, Алжира. Ряд произведений закуплен музеями этих стран. Она участник многих международных симпозиумов. семинаров и конференций, неоднократно являлась членом авторитетных жюри в различных сферах культурной жизни стран СНГ. В последние годы Ахматова активно выставляется в Москве, где целый ряд ее работ закуплен музеями российской столицы.

Сейчас Райкуль Ахматова активно готовится к своей персональной выставке, которой отметит 40-летие творческой деятельности, на ней будет представлен цикл войлочных философских панно о смысле жизни, о человеческих отношениях. Работы Ахматовой цветные, но у нее в панно нет многоцветья. Автор не использует больше четырех-пяти цветов, причем доминантными, как правило, становятся лишь один-два цвета. Когда мы спросили Райкуль о том, что для нее главное в искусстве, то услышали такой ответ: «Это искреннее неравнодушное отношение автора к тому, что он делает. В творчестве нельзя привыкать, уйти в профессию и зарыться в одну тему, в одно направление. Важен постоянный поиск, ведь пределов для совершенства нет. Нужна цель, которая бы тебя и звала вперед. Важно также быть предельно честным, не идти проторенным до тебя предшественниками путем, а самому искать и находить новое, неожиданное, нестандартное. У меня широкий диапазон художественных интересов, но самое обширное и глубинное мое самовыражение получается именно в войлоке. Я знаю, что это мое самое важное орудие творчества. А главной темой для меня, видимо, являются жизнь человека, его Вселенная, красота природы, связь времен и людей, влияние природы на душу и сердце. Отражая их, я нахожу очищение от суетных моментов жизни, мелкое и обыденное часто застилает глаза, а приходишь в мастерскую и ощущаешь в творчестве огромную связь с миром, человеческим космосом, родной землей. Мне хочется выразить вот такие темы. И сделать это не статично, просто хронологический какой-то кусок передать. Беру для воплощения темы более общие, глобальные что ли, не говорящие о чем-то сиюминутном, а как бы приглашающие людей, увидевших мои работы, к диалогу, располагающие к душевному разговору о том, зачем человек вообще живет на земле».

Александр ШЕПЕЛЕНКО.

Фото Игоря САПОЖНИКОВА.